融解建築ブログ

秋田です。実は去年末から（幸福度指数全国１位と名高い）福井県に住んでいます。

第五回多次元演奏会、よかったですね（もはや楽しむ側の感想）。

初めての映像同期でまさかのトラブル（お陰様で原因は完全に理解し、さらなるステージへと到達しました）が発生して苦々しい気持ちもありましたが、加入当初とは比べ物にならないほどMC力（
ぢから）を高めた坂本楽のアシストと気品あるお客様方の暖かい反応（と勝手に解釈しています…）、そして何より当事者である福田匠吾先生の精神統一力（
りょく）の高さに救われました。各位、本当にありがとうございました。

上の表記のために少し調べたら今時の HTML およびブラウザにはルビを振るタグが実装されているのですね。感動しました。全く意味はありませんが…。意味もなくルビを振るのが楽しく、しばらくルビを振りたいがために変な言葉を使うかもしれませんがどうぞお気になさらず。

突然ですが、今回から「ドラマーといふ病」と不穏なタイトルを冠したシリーズを折を見て書いていこうと思います。

私はいわゆるスタジオミュージシャンや専業のプロドラマーという訳ではありませんが、少なくとも気概の上ではドラマーという自負があります。肩書きではなく自我を形成する属性としてのドラマーということですね。ドラマーとはかくあるべきとか、ここでその定義をとやかく言う意図は毛頭ありません。

久しぶりに東京事変を聴きながら洗い物をしていて、はじめてスティックを取りドラムスローンに座ってから２０年が経過している事実にふと気づき、当惑というか感慨というか、しみじみとした諦念のようなものが去来したのです。なんだか扱いがたい感情です。折角生起した珍奇な感情を奇貨として何か書きとどめておこうかと思い、ブログを執りました。「病」というのは、もはや己と分かち難く固着してしまった偏り、もはや意思ひとつで容易に付いたり離れたりできるものではないもの、というニュアンスを込めました。ちょっとした長わずらいですね。

とはいえ、発生した感情そのものは上に書いたような曖昧なもので読んで面白いようなものでもないですから、むしろこれをきっかけに自分が今までに蓄積したドラムに関するあれこれを整理することで、さらに先に進むための礎石としたいと思います。半分以上自分のために書くものですが、何か少しでも楽しんで頂ければ稚拙な駄文も成仏するでしょう。

扨（サテ）。いざとなると何から書いていこうか見当もつきません。はじめということなので、ルーツ（根っこ、radix、 שׁרשׁ …）を確認することからはじめていきましょうか。

なぜドラムをはじめたのか、その遠因のようなものまで辿るときりがないですが（第一原因としての神…？）、具体的なアクションははっきりしており、幼少期から通ったエレクトーン教室を塾の多忙を理由に（その実は苦手な先生や己の適性の無さに耐えきれず）辞め、さっぱりしたかと思いきや、しばらくすると何かぽっかりと欠乏のようなものを感じたため、「代わりに」地元のドラム教室へ通い始めたことでした。（ちなみに塾には妙な適性があったようですが、これはまた別の話）

中岡憲永先生、何よりもまずとても優しい先生でした（勿論ご存命と思いますが）。グループレッスン枠だったのにたまたま生徒が少なかったこともあり、けっこう個人レッスンに近い形で教えて頂いたことを覚えています。

当時はバンドという概念への認識も希薄で、音楽といっても親が聞いていたものや近所の知り合いに教わった音楽を漫然と聞くくらいでした。このあたり、幼少期から音楽の素養を叩き込まれている人たちにかなわないなと正直感じるところです。

そんな白紙状態のところへ、スティックの持ち方からルーディメンツ（機械的な基礎練習のこと）、そして座学的にロックミュージックを含めて「ドラムをパートとして有する音楽の概観」としてざっくりした２０世紀音楽史を学んだこと（これはヤマハ音楽教室の教材が非常に良かったのですが、今入手するのは難しいようです）は、確実に、私にとって最も重要な礎石になっていると思います。若い男の子であれば、細かいことはいいからとにかくセットに座って一刻も早く叩きたいとなりがちなところを、丁寧に教えて頂きました。ルーディメンツは基本的な１６分音符のアクセント移動などに加え、今でも欠かせない「ボース」（メトロノームに合わせ、両手両足を同期させた８分音符を数分間一定の音圧と粒揃いを意識して叩き続ける）という練習を学びました。

この教室で学んだことは多く、書ききれませんが、後から振り返ればジャズ・フュージョン方面を専門とする先生の課題曲チョイスはポップスであっても極上のスタジオミュージシャンによる渋い録音が多かったようです。B’z の「Easy Come, Easy Go!」は故青山純氏、JUDY AND MARY 「そばかす」は（当時はバンドメンバーですが）五十嵐公太氏、それから MISIA 「Everything」はシングル版では冨田恵一氏の絶妙な打ち込みですがライブ版はこれも青山純氏です。先生が書いてくださった手書きの譜面は今でも実家に保管されています。当時はその良さを１％も理解できていなかったと思いますが、有形無形の影響が今も感じられます。これら課題曲は、メロディーの立った楽曲に生命を吹き込むドラムの役割を伝える上でとても良いものだったように感じます。アタック音主体で、一見すると点で打つことしかできないかのように思える打楽器に、いかにして線や面として連続したものにするか。

こうしたポップミュージックの課題曲を練習する傍ら、個人的にそっと紹介して頂いた CASIOPEA のファーストアルバム『CASIOPEA』（１９７９年作品）は今でも愛聴しています。世界的に有名な神保彰氏が加入する以前、佐々木隆氏がメンバーだった頃の録音で、いくぶん饒舌な手数の多さも前のめり感も何か枠に収まらないエネルギーが伝わってきて大好きです。良くも悪くもこの一枚の影響でテクニック志向に大きく傾くことになりますが、これは先生からすれば誤爆のようなものだったかもしれません…。

閑話休題、つい思い出話ばかりになってしまいましたが、当時学んだことを今振り返ると…

・基礎練習（ルーディメンツ）は永遠の時間を貫いて存在しており、ドラマーはこれのごく断片をわずかな有限の時間だけ汲み取るに過ぎない。

・ドラムはドラム単体のためにあらず、楽曲のために奉仕（service）する存在である。

・譜面を読み書きできることによって、両手両足を忙しく動かす奇妙な楽器を他人が演奏したものを認識し写し取る座標が定まる。

・何かよくわからないがこの楽器は妙に楽しい。

…このようなところに集約されるのではないでしょうか。

さらに端的に言えば、先生との相性如何では続けることなく辞めてしまっていた可能性も大いにあるのだから、

・私のドラマーとしてのルーツは優しくも的確な中岡先生にあった。

と、まとめてしまって差し支えないでしょう。

早くも２８００文字を超えてしまったようですから、このあたりで区切ります。どこへ向かうやら。あくまで先へ進む（progress）ためのものであることだけは忘れないように注意しながら…。

つづく？

 

[告知スペース] もうすぐですが、２月１０日に古巣のLIVE SPOT RAG にて超一流フルーティストによるイベントの前座を務める運びとなりました。

赤木りえ・中島徹　ダイナマイトデュオ　スペシャルセッション　〜プエルトリコ　ハリケーン被害救済ライブ〜

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実は２０１５年１月１６日に同じ RAG で呼んでいただいたご縁で、今回もお声がけ頂きました。ありがとうございました。土曜日の夜、上質なラテンのリズムに酷寒を忘れて酔いましょう！

予約はこちらのフォームからも承っております。

こんにちは、フルートの坂本です。

今日は少し、フルートのお話をしようかと思います。

先日、新大阪のムラマツリサイタルホールにて、エレーヌ・ブレグ氏（https://www.heleneboulegue.com）のリサイタルを聴いてきたのですが、これがもう本当に素晴らしくて感動したんですよ。

彼女は今年の神戸国際フルートコンクール（世界でも非常に権威ある、日本が誇るコンクールです）で優勝した、今最もホットなフルート吹きの一人で、その表現の幅と変幻自在の音色、ついでにキャッチーなルックスもあり、フルート界隈だけでなく多くの人に受け入れられるビッグスターになるんだろうな、と少し偉そうにも感じました。

 

僕はもともと哲学的な（？）オーレル・ニコレ氏や、軽快なプレイで観客を魅了するランパル氏が好きなんですよね。

ちなみにこの正反対のキャラクターの二人が夢の共演を果たした名盤がこちら（http://www.muramatsuflute.com/shop/g/gC5567/）（厳密には二枚組のうち二枚目の方）。

ライブ盤で拍手の音の猛烈さにびっくりするのですが、それだけ盛り上がっていたということでしょう。

僕は高校生のころからこのCDが大好きで大好きで、フルートのCDでオススメは何かと訊かれたら、今でも間違い無くこれを推すという一枚です。

二人とも少し古い演奏家で（ランパルは2000年没、ニコレは2016年没）、「おじいちゃん奏者」とか言いたくなる雰囲気があります（なぜか若い頃の録音でもそう思う）。

 

そんなコンサバを自称する僕ですが、ブレグ氏の演奏を聴いて今の時代には今の時代にあった良い表現があるんだろうな、と思うようになりました。

特に印象に残ったのが、氏のビブラートです。

上に挙げたニコレやランパルもそうですし、現代でも多くのフルート奏者がそうですし、ジェームズ・ゴールウェイ氏など圧倒的にそうなんですが、フルートって基本的に演奏中はずっとビブラートをかけ続けて、しかもだいたい深さや回転数は一定なんですよね。

そんななかブレグ氏のビブラートは、ノンビブラートのシーンこそそこまで多くはなかったものの、曲想や場面に応じて多様に使い分けられており、氏の表現の幅の広さに貢献していると感じたのです。

どの曲のどの音も、本当に細かいところまで考えられたビブラートが使用されており、特に一部のメインに置かれたプロコフィエフのフルート・ソナタ Op.94 の第一楽章の第一音目のA音が鳥肌ものでしたね……。

 

で、まあそんなこともあって、自分もビブラートのコントロールをうまく出来るようになろうと、最近練習をしています。

しかし、長年（もうフルートを手にしてから16年も経つ！）ビブラートありきで演奏してきたため、もちろんノンビブラートや深さを調整する場面もありますが、「自分のビブラート」というものがかなり固定されてしまっているんですよね。それを見直したい。

醤油やわさびは刺身の味を引き立てる非常な大切な役割がありますが、だからといって最初っから決まった種類の醤油が魚にドバドバかかってたら嫌だよね、って感じ（？）。

これが厄介で、本来「足し算」として必要な時に現れるべきビブラートがデフォルトにあるので、それを無くそうとすると演奏中かなりの意識を割かないといけないのです。そうすると、他のことがおろそかになる。

そういうわけで、まずは意識から変えるべく、練習時にはビブラートを一切かけないようにして、ノンビブラートに軸を置くようにしました。

これがなかなか難しく、だいぶ慣れてはきたのですが、演奏を録音して聞いてみると、思わぬところにビブラートがひょこっとかかっていたりするんですよね……うーん、自在なコントロールにはまだまだ到達できませんね。

（そういえば今年の9月に、ケーナ奏者の岩川光さんのワークショップに参加したのですが、そこで岩川さんは基礎練習中のビブラートは「禁じ手」とまで表現しておられました）

 

よく古楽やバロックと言われる時代の音楽を奏する際は、ビブラートは「下品」だからかけてはいけないとか言います（もしかけるとしても喉や横隔膜ではなく、指でかける）。

じゃあいつの時代から、ビブラートを常にかけるようになったんでしょうね。ベーム式フルートになってから？

それについて、日本のフルート界を長く牽引してきた金昌国氏は『金昌国フルート教本 2』のなかで、「どういうわけかかなり長い間フルートにはヴィブラートは使われ」ていなくて、「ドイツのオーケストラでは、第二次大戦までヴィブラートなしで演奏していたよう」だと指摘しています（p.33）。思ったより最近ですね。

またそのあとで「現代ではヴィブラートなしでフルートを演奏することは考えられません」とも述べています。

これ以上のことは手元の資料では確認できなかったので、また調べていきたいところです。もし詳しい方がおられたら、ぜひ教えてください！

 

そういえばジャズでも、ジェレミー・スタイグ氏のようにフルート専業のプレイヤーと、フランク・ウェス氏やエリック・ドルフィー氏のような他の楽器もこなすプレイヤーとでは、ビブラートの印象もかなり違いますね。

まあ曲やフレーズなどビブラート以外の要素もかなり違っていますし、年代にもズレがあるのでなんとも言えないのですが。

こんな感じで、いろいろな奏者のビブラートのかけ方を比較しても面白いかもしれません。

 

さて、最後になりましたが、融解建築の主催イベント「第五回多次元演奏会」まで、ちょうどあと一ヶ月です！

来年1/21、京都・CLUB METROでお待ちしております！

僕のビブラート研究の成果はあるのか、乞うご期待。

 

……全然「少し」じゃなかった。